Deutsch
Aldo Mozzini
Aldo Mozzini bezeichnet sich selbst als kontextuellen Künstler. Seine Installationen entstehen aus einer Neuinterpretation von Elementen der ihn umgebenden Realität, von Objekten und Details, die oft an Sichtbarkeit und Bedeutung verlieren. Diese gewöhnlichen Elemente in wahrnehmbare Erfahrungen zu verwandeln und sie miteinander in Beziehung zu setzen, ist ein zentraler Moment seines künstlerischen Schaffensprozesses, der es ermöglicht, die Wahrnehmung des Raums und der alltäglichen Erfahrungen zu erneuern.
Seine grossen Installationen, die er seit den 1990er Jahren realisiert, darunter Grottino V und Atrium, folgen einem hybriden Prozess. Eine erste Skizze dient dazu, das verfügbare Material zu vermessen und zu organisieren, aber das Werk entsteht tatsächlich vor Ort, wodurch ein Teil des Unvorhergesehenen in der Installation erhalten bleibt. Während die Aussenstruktur von Grottino V an den neutralen Raum eines Museums erinnert, strahlt das Innere dank warmer Materialien und sanftem Licht Gemütlichkeit aus. Beim Verlassen der Installation entsteht durch die Rückkehr in den White Cube ein leichtes Gefühl der Diskrepanz, noch verstärkt durch Les conspirateurs, Skulpturen, die zum Sitzen einladen, was jedoch aufgrund ihrer Grösse und Instabilität unmöglich ist.
Die immersiven Installationen von Mozzini sind wahre „Raumbücher” und bilden Mikro-Universen, in denen jedes Objekt eine Erinnerung oder eine Atmosphäre hervorruft. Einen Kontrast zu diesen Umgebungen bilden die kleinen Bronzeskulpturen Sgabelli (Hocker). Vier Radierungen aus der Sammlung des MBAL, die in die Ausstellung integriert sind, darunter Le Dôme florentin von Jean-Baptiste Camille Corot oder Le square Vintimille von Jean Édouard Vuillard, würdigen die Technik, die dem Künstler seit Beginn seiner Karriere am Herzen liegt, da sie sich nicht auf die Vervielfältigung einer Idee beschränkt, sondern es ermöglicht, diese weiterzuentwickeln und anfangs ungeahnte Lösungen zu generieren.
Enzo Mari
autoprogettazione? (Originaltitel Proposta per un’autoprogettazione, Vorschlag für eine Selbstgestaltung) ist ein 1974 vom italienischen Designer Enzo Mari (1932–2020) zusammengestellter Katalog, der bis heute nachgedruckt wird. Eine Erstausgabe sowie eine Ausgabe aus dem Jahr 2002 werden hier in Saal 3 des Museums nebeneinander präsentiert. Dieses Buch enthält genaue Anweisungen zum Bau von achtzehn Möbelstücken, darunter Tische, Stühle, Regale und Betten, anhand einfacher Zeichnungen und gängiger Werkzeuge wie Hammer, Säge und Nägel. Mari war der Ansicht, dass jeder, der dazu ermutigt wird, selbst einen Tisch zu bauen, die Überlegungen hinter dessen Design besser versteht. Das Projekt zielte darauf ab, Design zu demokratisieren, eine kostengünstige Alternative zum Wegwerfkonsum anzubieten und das Bewusstsein für den Wert von Gegenständen zu schärfen, indem handwerkliches Können und kreatives Bewusstsein vermittelt wurden.
Während die Konstruktionen von Aldo Mozzini Gefühle, Momente und Erinnerungen aus dem Alltag widerspiegeln, verkörpern die Möbel von Enzo Mari das Bewusstsein und die Notwendigkeit, ein Design zu schaffen, das unabhängig von den finanziellen Mitteln für alle zugänglich ist und eine Horizontalität in der Nutzung und Produktion herstellt.
Aufgrund der begrenzten Ausstellungsfläche wurden einige Stücke wie in einem Showroom übereinandergestapelt, wodurch eher die Serie als das einzelne Objekt in den Vordergrund rückte. Die meisten dieser Stapel wurden vom Techniker des MBAL, Martial Barret, mit gelegentlicher Unterstützung des Teams angefertigt, wobei die ursprünglichen Anweisungen an die Standards eines anderen Landes und einer anderen Epoche angepasst werden mussten. Getreu dem Geist von Mari wurden diese Konstruktionen bei ihrer Realisierung den Gegebenheiten entsprechend übernommen, und getreu dem Geist von Pour tout faire, il faut une fleur werden sie nach Ende der Ausstellung wieder in Umlauf gebracht …
Ayed Arafah – auch in Raum 4
Das Werk ةديصق ةيلاجترا (Improvisiertes Gedicht) des palästinensischen Künstlers Ayed Arafah ist eine zweiteilige Installation, die einen intimeren Raum in Saal 3 und einen grösseren Raum in Saal 4 des Museums einnimmt – vorbei am Film Der Lauf der Dinge von Peter Fischli und David Weiss, der ebenfalls das Prinzip der Verkettung und Kreislauf in den Mittelpunkt stellt.
Bei Arafah basiert die Installation auf seinen persönlichen Erfahrungen, die durch das Exil und das Leben in einem Flüchtlingslager geprägt sind. Die Unterkünfte waren als provisorisch konzipiert und wurden aus weggeworfenen oder wiederverwerteten Gegenständen und Materialien gebaut, wobei die Mittel aus der Not und der Hoffnung auf eine baldige und mögliche Rückkehr resultierten. Diese Praxis des Recyclings geht jedoch über die reine materielle Notwendigkeit hinaus. Sie wird zu einem Wert, der auf Kontinuität, Überleben und der Fähigkeit basiert, Bestehendes in neue Möglichkeiten zu verwandeln. Die Gegenstände tragen frühere Geschichten und Verwendungszwecke in sich und sind Teil eines kollektiven Gedächtnisses, das sich im Laufe der Wiederverwendung neu zusammensetzt.
In beiden Installationen stellt das technische Element des Scharniers, das normalerweise mit Türen oder Fenstern in Verbindung gebracht wird, hier einen Verbindungspunkt und einen Spannungsbogen dar. Es verweist auf die Bewegungen der Hände, die sich im Dabkeh, einem kollektiven Volkstanz aus dem Nahen Osten, der Heimatregion des Künstlers, ineinander verschränken. Die Wiederholung der Formen und Bewegungen dieses Tanzes erinnert an eine Poesie aus sich wiederholenden Reimen, in der sich die Wiederholung in einen diskreten Rhythmus verwandelt, der über die Botschaft hinausgeht.
English
Aldo Mozzini
Aldo Mozzini defines himself as a contextual artist. His installations arise from a reworking of elements of the surrounding reality — objects and details that often go unnoticed and lose meaning. Transforming these ordinary elements into perceptible experiences and placing them in relation to one another is central to his artistic process, allowing space and everyday life to be perceived anew.
His large installations, which he has been creating since the 1990s — among them Grottino V and Atrium — follow a hybrid process. An initial sketch helps to measure and organise the available materials, but the work is ultimately constructed on site, leaving room for the unexpected during installation. In Grottino V (Little Grotto V), the exterior structure evokes the neutral space of the museum, while the interior seeks a sense of comfort through warm materials and soft lighting. Upon exiting, the return to the white cube produces a slight shift, accentuated by Les conspirateurs (The Conspirators), sculptures that seem to invite sitting but whose scale or instability prevents it.
Mozzini’s immersive installations function as true “books of space”, composing micro-universes in which each object evokes a memory or atmosphere. In contrast, on a different scale, are the small bronze sculptures Sgabelli (stools). Four prints from the MBAL collection included in the exhibition — such as Le Dôme florentin by Jean-Baptiste Camille Corot and Le square Vintimille by Jean-Édouard Vuillard — pay tribute to printmaking, a medium dear to the artist since the beginning of his career. Rather than merely a means of reproducing an idea, the process of printing allows initially unexpected solutions to emerge and develop.
Enzo Mari
autoprogettazione? (original title Proposta per un’autoprogettazione, “Proposal for a Self-Design”) is a catalogue compiled in 1974 by Italian designer Enzo Mari (1932–2020) and still in print today. A first edition and a 2002 edition are presented side by side here in Room 3. The book contains precise instructions for building nineteen pieces of furniture — such as tables, chairs, shelves, or beds — using simple drawings and common tools like a hammer, a saw, and nails. Mari believed that if everyone were encouraged to build their own table, they would better understand the reasoning behind its design. The project aimed to democratise design, offer an affordable alternative to disposable consumption, and raise awareness of the value of objects by sharing practical knowledge and creative consciousness.
While Aldo Mozzini’s constructions translate feelings, moments and memories drawn from everyday life, Enzo Mari’s furniture embodies the recognition and necessity of creating design that is accessible to all, regardless of economic means, establishing a balance between both use and production.
Within the exhibition, spatial constraints led to certain pieces being stacked as in a showroom, emphasising the series rather than the individual object. Mostly produced by MBAL technician Martial Barret with support from the team, these works required an adaptation of the original instructions to the standards of a different country and time. Faithful to the spirit of Mari, these constructions were fully appropriated in the process of their making and, true to the spirit of Pour tout faire, il faut une fleur, they will be put back into circulation after the exhibition comes to an end…
Ayed Arafah – also shown in Room 4
ةيلاجترا ةديصق (Improvised Poem) by Palestinian artist Ayed Arafah is a two-part installation occupying a more intimate space in Room 3 and a larger one in Room 4, connected by the film The Way Things Go by Peter Fischli and David Weiss, which also centres on the principles of sequence and circularity.
Arafah’s installation is rooted in his personal experience marked by exile and life in a refugee camp. Shelters there were conceived as temporary, built from abandoned or salvaged objects and materials, within an economy of means dictated by necessity and by the hope of an eventual return. This practice of recycling, however, goes beyond mere material constraint. It becomes a value, based on continuity, survival, and the capacity to transform what already exists into new possibilities. Objects carry traces of previous lives and uses, becoming part of a collective memory that is continuously reshaped through reuse.
In both installations, the hinge — a technical element usually associated with doors or windows — becomes a point of connection and tension. It evokes the gesture of interlaced hands in dabkeh, a collective folk dance from the Levant, the artist’s homeland. The repetition of forms and movements in this dance recalls a poetry built from recurring rhymes, where repetition transforms into a subtle rhythm that creates meaning beyond the message.
Italiano
Aldo Mozzini
Aldo Mozzini si definisce un artista contestuale. Le sue installazioni nascono da una rielaborazione degli elementi della realtà che lo circonda, oggetti e dettagli che spesso perdono visibilità e significato. Trasformare questi elementi ordinari in esperienze percepibili e metterli in relazione tra loro costituisce un momento centrale del suo processo artistico, permettendo di rinnovare la lettura dello spazio e dell’esperienza quotidiana.
Le sue grandi installazioni, che realizza dagli anni Novanta — tra cui Grottino V e Atrium — seguono un processo ibrido. Uno schizzo iniziale serve a misurare e organizzare il materiale disponibile, ma l’opera si costruisce realmente sul posto, lasciando spazio all’imprevisto durante l’installazione.
In Grottino V, se la struttura esterna richiama lo spazio del museo, l’interno cerca il comfort attraverso materiali caldi e una luce soffusa. All’uscita, il ritorno al white cube crea un leggero scarto, accentuato dalle sculture Les conspirateurs, che sembrano invitare a sedersi ma la cui dimensione o instabilità lo impedisce. Le installazioni immersive di Mozzini costituiscono veri e propri « libri di spazio » e compongono micro-universi in cui ogni oggetto evoca un ricordo o un’atmosfera. A questi ambienti si oppongono, sul piano della scala, le piccole sculture in bronzo, gli Sgabelli. Quattro stampe della collezione del MBAL, tra cui Le Dôme florentin di Jean-Baptiste Camille Corot e Le square Vintimille di Jean Édouard Vuillard, rendono omaggio a questa tecnica, cara all’artista fin dagli esordi della sua carriera, poiché essa, lungi dal limitarsi a moltiplicare un’idea, permette di svilupparla e di generare soluzioni inizialmente insospettate.
Enzo Mari
autoprogettazione? (titolo originale Proposta per un’autoprogettazione) è un catalogo creato nel 1974 dal designer italiano Enzo Mari (1932–2020) e ancora oggi ristampato. Il libro contiene istruzioni precise per costruire diciannove mobili, come per esempio tavoli, sedie, scaffali o letti, a partire da disegni semplici e strumenti comuni come il martello, la sega e i chiodi.
Mari riteneva che, se ogni persona fosse incoraggiata a costruire da sola un tavolo, questa comprenderebbe il ragionamento alla base del suo progetto. Il progetto mirava a democratizzare il design, offrire un’alternativa economica al consumo usa-e-getta e sensibilizzare al valore degli oggetti trasmettendo competenze e consapevolezza creativa.
Se le costruzioni di Aldo Mozzini traducono sentimenti, momenti e ricordi legati alla quotidianità, i mobili di Enzo Mari incarnano la consapevolezza e la necessità di creare un design accessibile a tutti, indipendentemente dai mezzi economici, instaurando un’orizzontalità nell’uso e nella produzione.
Nella mostra, i limiti di spazio hanno portato ad impilare i mobili come in uno showroom, mettendo in risalto la serie piuttosto che il singolo oggetto. Realizzati per la maggior parte dal tecnico del MBAL, Martial Barret, con l’aiuto del team, questi hanno richiesto un adattamento delle istruzioni originali agli standard di un paese e di un’epoca diversi. Fedeli allo spirito di Mari, queste costruzioni sono state pienamente appropriate durante la loro realizzazione e, coerentemente con lo spirito di Pour tout faire, il faut une fleur (Per fare tutto, serve un fiore), gli oggetti finiti saranno rimessi in circolazione dopo la fine della mostra.
Ayed Arafah – in esposizione anche nella Sala 4
L’opera ةيلاجترا ةديصق (Poema improvvisato)dell’artista palestinese Ayed Arafah è un’installazione in due parti che occupano uno spazio più intimo nella Sala 3 e uno più ampio nella Sala 4 del museo, collegati dal film The Way Things Go (Il corso delle cose) di Peter Fischli e David Weiss, che mette anch’esso al centro i principi di concatenamento e circolarità.
L’installazione di Arafah affonda le sue radici nella sua esperienza personale segnata dall’esilio e dalla vita in un campo profughi. Le abitazioni qui sono concepite come temporanee, costruite con oggetti e materiali abbandonati o recuperati, in un’economia di mezzi dettata dalla necessità e dalla speranza di un possibile ritorno a casa in un futuro prossimo.
Questa pratica del riutilizzo, tuttavia, va oltre il semplice vincolo materiale. Diventa un valore fondato sulla continuità, sulla sopravvivenza e sulla capacità di trasformare ciò che già esiste in nuove possibilità. Gli oggetti portano con sé storie precedenti e usi passati e diventano parte di una memoria collettiva che si trasforma continuamente attraverso il riutilizzo.
Nelle due installazioni, l’elemento tecnico della cerniera — normalmente associato a porte o finestre — diventa un punto di connessione e di tensione. Esso evoca il gesto delle mani intrecciate nella dabkeh, danza popolare collettiva del Levante, regione di origine dell’artista. La ripetizione delle forme e dei movimenti in questa danza ricorda una poesia costruita su rime ricorrenti, in cui la ripetizione si trasforma in un ritmo sottile che va oltre il messaggio stesso.