Deutsch
Ruth Van Beek
Die Arbeit von Ruth van Beek entsteht aus einem Bildarchiv, das sie kontinuierlich erweitert. Diese Bilder, die gleichzeitig Werkzeuge, Quellen und Kontexte sind, werden gesammelt, klassifiziert, ausgeschnitten und dabei ihrer ursprünglichen Funktion entzogen, um Raum für neue Bedeutungen zu schaffen. Haushaltsratgeber, Zeitschriften und funktionale Bilder werden von ihrem ursprünglichen Verwendungszweck befreit, um ein Alphabet der Formen zu bilden. Handgriffe wie Falten, Schneiden oder Malen sind darin ebenso sichtbar wie die Bilder selbst und verleihen dem Prozess eine lebendige Präsenz, die dem fertigen Werk in nichts nachsteht. Dieses Ritual der Auswahl und Transformation ist Teil des Alltags der Künstlerin und fungiert als Filter zwischen der Aussenwelt und ihrer sich entwickelnden Innenwelt.
In diesem Raum stehen acht Collagen aus Fotografien und Gouache-Tapeten, die die Künstlerin Figures nennt, im Dialog mit der skulpturalen Vergrösserung eines Leporellos, das von ihrer Publikationsreihe Lazybones inspiriert ist. Mit Schichten von Tapeten überzogen, verwandeln sich die Bilder in mehrdeutige Oberflächen, zwischen Haut und Kleidung, und lassen eine fast geisterhafte Präsenz durchscheinen. So verdichten sie einen Strom von Gedanken und Bezügen.
In der Mitte des Raumes wird das Leporello durch seine Zickzackstruktur zu Architektur. Die Bilder, die unter anderem aus Flohmärkten und Buchhandlungen in Tokio stammen, offenbaren dank der Massstabsänderung und ihrer Rekontextualisierung die Bedeutung von Details und bestimmte semantische Verschiebungen.
Erin O’Keefe
Auf den ersten Blick wirken die Werke von Erin O’Keefe wie Gemälde mit sorgfältig angeordneten geometrischen Formen, doch bei näherer Betrachtung offenbart sich ihr fotografischer Charakter. Der Künstler baut jede Komposition aus einem leeren Raum auf, malt geometrische Formen von Hand auf Holz, bevor er sie fotografiert und so perfekte Trompe-l’œil-Illusionen schafft. Der Herstellungsprozess der Objekte und die Vorbereitung der Kulissen sind taktile und durchdachte Handgriffe, die untrennbar mit der Aufnahme verbunden sind. Als Requisiten für die Fotografie konzipiert, entfalten sie durch die Linse eine magische Wirkung und bilden eine regelrechte Formensammlung.
Als Fotograf und Architekt stützt sich O’Keefe auf seine architektonische Erfahrung, um die räumliche Wahrnehmung zu erforschen und die abstrakte Formensprache dieser Disziplin zu nutzen. Seine Bilder setzen sich mit der Verzerrung auseinander, die durch die Kamera entsteht, wenn sie den dreidimensionalen Raum in zwei Dimensionen überträgt, und diese Diskrepanz steht im Mittelpunkt seines Schaffens.
Die fünf ausgestellten Werke zeigen die Entwicklung seines Schaffens, von den ersten Fotografien von Texturen und einfachen Situationen, in denen sich farbenfrohe Formen und kräftige Schatten vermischen, bis hin zu minimalistischeren, aber äusserst komplexen Kompositionen. Jedes Werk lädt das Publikum dazu ein, das Bild zu analysieren und zu ergründen, wie die visuelle Wahrnehmung funktioniert.
Alina Frieske
Alina Frieskes Werk untersucht die Beziehungen zwischen Fotografie und bildlicher Wahrnehmung und kombiniert Collagen, Fundstücke und digitale Konstruktionen. Ihre erste Monografie, Each and Every Part in Between, erschienen bei Ciao Press und Éditions Images Vevey, ist das Ergebnis einer zweijährigen Arbeit, in der redaktionelle Konzeption, die Schaffung neuer Werke und Reflexionen über den künstlerischen Prozess miteinander verschmelzen. Das Buch würdigt die Geste, die Fragmente, das Experimentieren und den Fundus an Materialien, die ihre Arbeit nähren.
In der Ausstellung spiegelt eine Einführungswand diesen Geist wider: Eine Collage aus Fragmenten von Testseiten und Papierausschnitten bietet dem Publikum einen Einblick in den kreativen Prozess der Künstlerin. Die Installation offenbart die Materialität der Trägermaterialien, die vielfältigen Versionen und die zentrale Rolle der Hand, während die Rückseite der Wand eine abstraktere Sicht auf die Elemente bietet, wo die Ausschnitte umgekehrt und in abstrakte Formen verwandelt erscheinen. Drei „unvollendete” Werke, die in den Saalen 4 und Marie-Anne Calame zu sehen sind, vervollständigen diesen Ansatz und erinnern an die Bedeutung der Vorarbeit und der ersten Schritte.
Hinter dieser Wand beherbergt ein schlichterer Raum gerahmte Bilder und Metallskulpturen. Die Wiederholung, die unterschiedlichen Formate und die Integration schwebender Elemente spiegeln die Weiterführung der Auseinandersetzung mit der Collage wider. Frieskes Praxis stellt die menschliche Geste und das direkte Eingreifen in den Vordergrund und steht damit im Kontrast zur Anonymität digitaler Umgebungen. Die dargestellten Szenen hinterfragen die sich verschiebenden Grenzen zwischen Öffentlichkeit und Privatsphäre und die Art und Weise, wie Identität im digitalen Raum konstruiert und inszeniert wird.
English
Ruth Van Beek
Ruth van Beek’s work originates from an ever-growing archive of images that the artist selects herself. Serving simultaneously as tools, sources, and contexts, these images are collected, classified, cut, and diverted from their original function to make space for new meanings. Domestic manuals, magazines, and functional images are freed from their initial use to form an alphabet of shapes. Gestures such as folding, cutting or painting become as visible as the images themselves, giving the process a living presence equal to that of the finished work.
In this room, eight collages composed of photographs and gouache-painted wallpaper, which the artist calls Figures, converse with the sculptural enlargement of a leporello inspired by her editorial series Lazybones. Covered with layers of wallpaper, the images transform into ambiguous surfaces, somewhere between skin and clothing, suggesting an almost ghostly presence.
At the centre of the room, the leporello expands into an architectural form through its zigzag structure. The images — collected among other places from flea markets and bookstores in Tokyo — highlight the importance of details and new semantic transformations produced by changes of scale and context.
Erin O’Keefe
At first glance, Erin O’Keefe’s works appear as paintings made of carefully arranged geometric forms. However, after looking more closely, their photographic nature becomes evident. Each composition is built from an empty space, where the artist paints wooden geometric objects before photographing them, creating perfect trompe-l’œil illusions. The making of these objects and the preparation of the sets are tactile and reflective gestures inseparable from the photographic act. Designed as photographic props, these objects become magical through the camera lens, forming a veritable library of shapes.
A photographer and architect, O’Keefe draws on her architectural training to explore spatial perception and to mobilize the formal abstract language of that discipline. Her images examine the distortion introduced by the camera when translating three-dimensional space into two dimensions.
The five works presented illustrate the evolution of her practice, from early photographs combining coloured forms and strong shadows to more minimalist yet highly complex compositions, inviting viewers to dissect the image and to reflect on how visual perception works.
Alina Frieske
Alina Frieske’s work explores the relationship between photography and painterly perception, combining collage, found images, and digital constructions. Her first monograph, Each and Every Part in Between, published by Ciao Press and Éditions Images Vevey, documents two years of work combining editorial design, the creation of new works, and reflections on the artistic process. The book celebrates gesture, fragments, experimentation, and the archive of materials that feeds her practice.
In the exhibition, an introductory wall transmutes this approach: a collage made of fragments of test pages and paper cutouts offers the public insight into the artist’s creative process. The installation reveals the materiality of the supports, the multiple versions of the work, and the central role of the hand. While the reverse side of the wall offers a more abstract vision of the elements and the cut-outs appear inverted and transformed into abstract shapes. Three “unfinished” works, visible in Rooms 4 and Marie-Anne Calame, complete this approach, highlighting the importance of preparatory work and initial gestures.
Beyond this wall, a minimalist space presents framed images and metal sculptures. Repetition, varied formats, and suspended elements extend the exploration of collage. Frieske’s practice emphasises human gesture and direct intervention in contrast with the anonymity of digital environments, questioning the shifting boundaries between public and private life and how identity is constructed and performed online.
Italiano
Ruth Van Beek
Il lavoro di Ruth van Beek nasce da un archivio di immagini che l’artista continua ad ampliare. Queste immagini, allo stesso tempo strumenti, fonti d’ispirazione e accessori, vengono raccolte, classificate, ritagliate e deviate dalla loro funzione originaria per aprire nuovi campi di significato.
Manuali domestici, riviste e immagini funzionali vengono liberati dal loro uso iniziale per formare un vero e proprio alfabeto di forme. Gestualità come piegare, tagliare o dipingere diventano visibili quanto le immagini stesse, conferendo al processo una presenza viva pari a quella dell’opera finita.
In questa sala, otto collage composti da fotografie e carta da parati dipinta a gouache, che l’artista chiama Figures (Figure), dialogano con l’ingrandimento scultoreo di un leporello ispirato alla sua serie editoriale Lazybones (Pigrone/a). Ricoperte da strati di carta da parati, le immagini si trasformano in superfici ambigue, tra pelle e abito, suggerendo una presenza quasi fantasmagorica.
Al centro della sala, il leporello diventa architettura grazie alla sua struttura a zigzag. Le immagini — raccolte tra l’altro nei mercatini e nelle librerie di Tokyo — rivelano l’importanza dei dettagli e le nuove trasformazioni semantiche prodotte dal cambiamento di scala e di contesto.
Erin O’Keefe
A prima vista, le opere di Erin O’Keefe sembrano dipinti composti da forme geometriche accuratamente disposte. Osservandole più attentamente, emerge invece la loro natura fotografica. L’artista costruisce ogni composizione partendo da uno spazio vuoto, dipingendo a mano forme geometriche su oggetti in legno prima di fotografarle, creando delle perfette illusioni ottiche. La costruzione degli oggetti e la preparazione delle scene sono gesti tattili e riflessivi inseparabili dall’atto fotografico. Concepiti come oggetti di scena, questi elementi diventano quasi magici attraverso l’obiettivo della macchina fotografica e costituiscono una vera biblioteca di forme.
Fotografa e architetta, O’Keefe attinge alla sua formazione in architettura per esplorare la percezione dello spazio e mobilitare il linguaggio formale astratto di questa disciplina. Le sue immagini esaminano la distorsione introdotta dalla fotografia quando traduce lo spazio tridimensionale in due dimensioni.
Le cinque opere presentate illustrano l’evoluzione della sua pratica, dalle prime fotografie che combinano forme colorate e ombre marcate a composizioni più minimaliste ma altamente complesse, invitando lo spettatore a scomporre ciò che accade nell’immagine e a riflettere sui meccanismi della percezione visiva.
Alina Frieske
Il lavoro di Alina Frieske esplora la relazione tra fotografia e percezione pittorica, combinando collage, immagini trovate e composizioni digitali. La sua prima monografia, Each and Every Part in Between, pubblicata da Ciao Press ed Éditions Images Vevey, documenta due anni di lavoro che intrecciano progettazione editoriale, creazione di nuove opere e riflessioni sul processo artistico. Il libro celebra il gesto, i frammenti, la sperimentazione e l’archivio di materiali che alimentano la sua pratica.
Nella mostra, una parete introduttiva traduce questo spirito: un collage composto da frammenti di prove di stampa e ritagli di carta offre al pubblico uno scorcio del processo creativo dell’artista. L’installazione rivela la materialità dei supporti, le molteplici versioni e il ruolo centrale della mano, mentre il retro del muro propone una visione più astratta degli elementi, dove i ritagli appaiono invertiti e trasformati in forme astratte. Tre opere « incompiute », visibili nella sala 4 e Marie-Anne Calame, completano questo approccio, ricordando l’importanza del lavoro preparatorio e dei gesti iniziali.
Oltre questa parete, uno spazio più minimalista presenta immagini incorniciate e sculture in metallo. Ripetizione, formati variabili ed elementi sospesi proseguono l’esplorazione del collage. La pratica di Frieske mette in evidenza il gesto umano e l’intervento diretto in contrasto con l’anonimato degli ambienti digitali, interrogando i confini mutevoli tra vita pubblica e privata e il modo in cui l’identità viene costruita e messa in scena online.